Современное концептуальное искусство. Часть 1.
08:34
Современное искусство - умопомрачительная и бездонная для обсуждения тема в современном обществе. Кто из вас хоть раз да не вступал в полемику по поводу того, что из себя представляет современный концептуализм в искусстве?
"Современное искусство тесно переплетается с повседневновстью, особенно в тех случаях, когда художественные способности подменяются концептуальным искусством".
Надо сказать, что мое отношение к С.И. всегда было очень категоричным и отрицательным. Мне даже не хотелось лезть в эту чащу ультрамодных художников-концептуалистов, не хотелось даже на секунду попробовать понять ничего из того, что подпадало под категорию современного искусства. Но судить о том, о чем ты не имеешь представления, как-то довольно глупо, особенно учитывая тот факт, насколько легко сейчас получить информацию, не выходя их дома. Я стала изучать, в ходе чего у меня, наконец, сформировалось подкрепленное авторами, примерами и мнениями других людей (критиков и т.д.) отношение ко всему этому делу.
Скитаясь по любому музею со школьной экскурсией мы привыкли оценивать произведение искусства с эстетической точки зрения. Художники воспевают какую-то красоту (или же наоборот), вызывая тем самым у нас эмоциональный отклик. Записавшись в свой первый фотокружок, мы с упоением слушаем о золотом сечении, "правильном" моменте, композиции, впитываем все это, что ВИЗУАЛЬНО "улучшает" нашу фотографию. Суть концептуализма заключается в том, что произведение искусства или их серия - это скорее идея, нежели сама картина, фотография, вещь и т.д. Такой подход очень сильно повлиял на восприятие произведений искусства. Текст или идея - выступают посредником между автором и зрителем, чаще всего вы с трудом сможете уловить суть того или иного арт-объекта, не зная того самого авторского посыла. В концептуализме большую роль играет "слово", как носитель идеи в художественном контексте (Джозеф Кушот, Лоуренс Вайнер и группа "Искусство и язык" были одними из первых, посвятивших себя этому вопросу). Поэтому рассматривать произведения концептуального искусства с точки зрения "красиво/некрасиво", уже не очень правильно. Главным образом работает некий импульс, отсылающий вас к тем или иным вопросам, эмоциям, ощущениям. Именно отсюда идут все насмешки, связанные с тем, что сейчас главное придумать своей работе "концепцию", а что и в какой форме это выполнено - не важно. Безусловно, с вам и согласятся, и не согласятся многие художники-концептуалисты, так или иначе выбирающие те или иные визуальные или любые другие средства для воссоздания своей идеи.
Есть такой замечательный термин для концептуализма - дематериализация художественного объекта. В свое время все это сбило с толку как публику, так и галереи, которым теперь сложно было представить возможность оценки произведения искусства и его продажи, в связи с утратой своей первоначальной материальной ценности.
Идеи, которые волновали авторов, были самыми разными: от проблем окружающей среды к гендерным вопросам и капитализму.
Классическим хрестоматийным образцом концептуализма считается композиция Джозефа Кошута «Один и три стула» (1965), включающая стул, его фотографию и описание предмета из словаря. Вот вам наглядный пример, как можно представить один и тот же предмет в разной форме.
_________________________________
А вот работа Йозефа Бойса "Гомогенная инфильтрация для рояля или талидомидный ребенок - величайший современный композитор". Осознать эту работу вне контекста времени ее создания, невозможно. В 50-60гг в Европе продавались успокоительные препараты на основе талидомида, которые принимали беременные женщины. Это вызвало чудовищный уровень рождаемости больных детей с патологиями (8-12 тысяч). Чаще всего у детей выявлялись патологии рук. "Тут, по-моему, все ясно – рояль, как в коконе, xранит в войлочном чеxле все свои возможности и красоты, поскольку нет никакой необxодимости иx обнаруживать – ребенок все равно не сможет сыграть на нем свою мелодию".
Но тут происходит весьма ожидаемая вещь: если изобразительная форма не так важна, значит не обязательно уметь рисовать - можно просто взять объект, несущий идею, из реальной среды или же вообще представить только лишь фотографию этого объекта. Тогда, когда концепция занимает главную роль в создании произведения искусства, художнику не обязательно самому создавать свое творение.
"Если вы не олицетворяете собой бренд, вы никогда не станете значимой фигурой в современном искусстве".
Дальнейшее развитие событий породило в мире такое понятие, как художник - "бренд", определив в последующем до сегодняшнего дня то, что выставляется и продается на самых престижных и известных аукционах. Виной всему стал хорошо всем известный Энди Уорхол.
Все говорят, что его работы отражают эпоху его времени, но он сам является своим главным произведением. Вообще, начало карьеры у него было не самым вдохновляющим. Он пытался предложить свои работы Лео Кастелли (один из самых влиятельных арт-диллеров того времени), но тот их отверг, а подаренный музею МоМА рисунок туфли и вовсе был возвращен автору.
Первую известность ему принесла выставка тридцати двух шелкографических изображений банок супа "Кэмпбелл", расставленных на выставке на полках, как в настоящем бакалейном магазине. Забавно, но напротив галереи магазин выставил в витрине настоящий суп в банках с подписью " У нас настоящее и всего за 29 центов" (Уорхол выставил свои "банки" на продажу по 100 долларов за шт.). Суповые банки положили начало художественной концепции превращения объекта в товар. Вот и гравюры Мерлин Монро, Элизабет Тейлор и Элвиса Пресли он создавал не случайно - все они уже были "готовым" в массовой культуре товаром. Если бы Уорхол изготавливал те же гравюры, но неизвестных никому людей, такого эффекта бы не получилось. Уорхол сыграл на брендах и сам стал брендом, из-под руки которого все выходило как произведение искусство. Он стал одним из самых продаваемых после Пабло Пикассо художником (а после смерти так вообще его продажи возросли неимоверно; до сих пор существует фонд Уорхола, который следит за использованием его изображений и отчислениями). Теперь важно не столько то, что художник делает, а что имеет отношение к конкретному художнику. Уорхол одним из первых создал студию, где на него трудились наемные художником, а он лишь мог либо принять, либо не принять работу за свою. Одобреные "автором" произведения тут же становились искусством, ценник на которые подлетал до небес. Искусство стало бизнесом и очень многие этим бизнесом стали начинать овладевать. По крайней мере, появились первые наглядные инструменты для успеха.
Вот, кстати, интересный факт:
"Признание бренда Энди Уорхола достигло такого уровня, что через три года после смерти художника его брат Пол Вархола организовал выставку плакатов с изображением банок вегетарианских бобов Heinz, подписанных "Пол, брат Энди Уорхола" и начал продавать их по 550 долларов. Сам Вархола всю жизнь торговал металлоломом и разводил цыплят и никогда не испытывал особой склонности к искусству. Он просто воспользовался готовой технологией Энди. Банки с бобами были распроданы. После этого Пол создал собственную технику: он окунал куриные лапки в акриловую краску и "ходил" ими по холсту. Этот вариант продавался уже за 5500 долларов".
Следующим после Уорхола поднял искусство саморекламы художника на новый уровень Джозефф Кунс. Сейчас он работает в Нью-Йорке на своей студии Челси, где трудятся 82 работника. Он управляет процессом, но редко непосредственно участвует в создании картины или скульптуры.
__________________________
Историк Роберт Пинкус-Уиттен: "Джефф понимает, что произведение искусства в капиталистической культуре неизбежно опускается до состояния товара. То, что он делает, говорит: "Давайте сократим путь и начнем прямо с товара".
Джефф Кунс - один из самых известных художников современности, чьи работы продаются на аукционах с семизначными и более нулями. Любой уважающий себя коллекционер старается заполучить в свою коллекцию хотя бы одну работу Кунса. Сам художник редко прикасается к своим творениям, но тщательно следит за процессом их создания другими людьми в своей студии. Он - блистательный пример самопиара и бизнесмена, сумевшего себя выгодно "продать".
У богатых людей, как известно, самое дорогое - это время, а времени на то, чтобы разобраться в искусстве у них нет. Им нужен человек, который скажет, что вот этот и этот художник, или же эти работы, значительно повысят его социальный статус или скажут за него о его "безупречном" художественном вкусе. Искусство помогает выделяться из толпы. Любой такой покупатель в этой области хочет приобрести не просто вещь, не просто статус, а, например, окно в бескрайнее и вечное духовное царство (именно так описан смысл картины Кляйна в каталоге "Кристи"). Вот, кстати, картина:
Продана была за 994 тысячи фунтов стерлингов.
Современный мир искусства - это огромные деньги. На его вершине находятся люди с таким доходом, который не каждому из нас может даже присниться. Это серьезная борьба к вопросу о том, кто "круче", только по-взрослому. А поскольку время-деньги - творить нужно быстро. Что быстрее, создание концепции или концепция + ее воплощение в одном лице? Плюс время на то, чтобы освоить какое-то ремесло (будто то живопись или фотография). На все это у успешного современного художника нет времени, для этого есть исполнители в количестве н-штук, бросающиеся на исполнение очередной задумки автора. В современном мире, где все нужно продать и где все продается за счет бренда и того, что покупатель с этим брендом приобретает (вещь, в общем-то, не так важна), не остается времени на многолетние создание произведений искусства. Сколько, говорите, лет Микеланджело расписывал Сикстинскую капеллу? Сейчас все существует или же стремится существовать за счет бренда. Бренд позволяет, грубо говоря, вам творить все, что вы хотите и при этом продаваться. Выигрывает не наиболее талантливый автор, а тот, кто сможет лучше всего себя и свои работы пропиарить.
Но не все так плохо! Моим любимым примером успешного современного автора является Питер Дойг - картины рисует сам, а для своей славы ему даже не пришлось умирать или, например, писать на холсты.
0 коммент.